时尚是一个轮回说的不仅仅是服装款式

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相信大家在看过Vogue意大利2020年的一月刊之后都被深深吸引,连平日里对时尚不太关注的路人都纷纷表示要买来收藏。如果不是封面上大写的Vogue,恐怕很多人都会以为这是一本插画杂志。

这一期杂志的意义表现在很多方面,最主要的两个层面为:环境保护和收藏价值。以插画代替摄影的方式不但节省了一大笔拍摄资金,可以用来支持威尼斯洪水过后的修复工作,还实现了时尚界长久以来提倡的可持续发展。

现代社会在互联网的影响之下,几乎所有的信息都可以从网络上查阅到,纸质刊物不再像以往一样,是获取信息的必要渠道。因此,很多人不再热衷于购买杂志,更别提将其纳入书架了。

在新的一年里,Vogue意大利携手艺术家凡妮莎·比克罗夫特(Vanessa Beecroft),卡西·纳莫达(Cassi Namoda),米洛·马纳拉(Milo Manara),德尔芬·德萨内(Delphine Desane),保罗·文图拉(Palo Ventura)和天野洋孝(Yoshitaka Amano)绘制了七个不同封面,为大家带来了一场视觉盛宴,他们所创造出来的图像绝不是人们仅仅通过电子屏幕浏览就能满足的。

既然Vogue意大利将尘封已久的插画重新推到时尚舞台的聚光灯下,今天,不妨就让我们一起来回顾一下历史上那些时髦的艺术。

最早的插画不仅依靠画笔,雅克·卡洛(Jacques Callot)和亚伯拉罕·博斯 (Abraham Bosse)等艺术家都使用雕刻技术记录了时代服装,展现了逼真的服饰细节。

20世纪初,时装插画已不满足于客观记录,更多地基于艺术家的个人风格。插画师在诠释时尚方面获得了前所未有的自由,这段时间在历史上也被称为是插画的黄金时代。

也许以我们现在的眼光来看,插画师在时尚界中大多出没于幕后,但实际上,在摄影技术发展成熟之前,插画师在历史上扮演了至关重要的角色。在第二次世界大战爆发前,杂志始终带有插图,但经过时间的推移,追求新鲜的读者更偏向于购买摄影封面的杂志,后来连仅出现在内页的插画都被照片取代。

在时尚插画的历史上,有着许多令人叹为观止的作品。在这其中,相信大家对勒内·格劳(René Gruau)的作品多少有些印象,许多品牌至今仍用他的作品来代表品牌精神、形象,而画中的男男女女,甚至是单品,纵使现在看来,也依旧优雅、时髦。

格劳在年幼时就表现出绘画方面的才能,后期受到画家亨利·德·土魯斯-罗特列克(Henri de Toulouse-Lautrec)和新艺术美学(Art Nouveau)的启发,有着惊人的线条把控力和运用色块的能力,可谓是“剪影”和“特写镜头”的大师。

他曾在巴黎的Marie Claire和Vogue等时尚杂志担任插画师,留下了无数经典画作,为当时的时尚界增加了一丝独特的气韵。

除了留下惊人的杂志封面之外,提到格劳就很难不想起他笔下的Dior世界。谁说广告不能成为艺术品呢?格劳在商业方面的价值是难以估量的。1947年,他担任了Dior的广告艺术总监,如果说Christian Dior设计了New Look,那格劳则用画笔给予了New Look第二次生命。

值得一提的是,格劳笔下不仅仅有优雅的女性,男性在他的世界里也有一股随性的魅力。

他们坐在沙发椅上,有时刚刚结束沐浴,又或者和他们的情人在一起……格劳将他笔下的主角置身于日常环境之中,独特的构图视角让你有种站在画中“偷窥“他们生活的感觉,给观众带来了强烈的真实感。

但不管表现的主体是什么,格劳都一直坚持做时尚插画界中的极简派。他作品中的每一条线都像是建筑里的承重柱,一笔都不能少,一笔都不能挪。简洁的不仅是构图,还有颜色:红、黑、白几乎是他画面永恒的主调,为他的作品注入灵魂。

画面中寥寥几笔的背后仿佛隐藏着神秘的故事,充斥着戏剧性,而画中的主角永远优雅从容。

与格劳的优雅与“世故”不同,安东尼奥·洛佩斯(Antonio Lopez)给观众带来了青春的活力,从他的作品中,你可以感受到热烈、原始的能量。他本人也是如此,下图右下角和左边照片站在人群中有着一瞥小胡子的就是安东尼奥本人了,是不是“画如其人“呢?

曾与他合作过的模特帕特·克利夫兰(Pet Cleveland)曾在Show Studio与时尚摄影师Nick Knight的访谈中表示:安东尼奥仿佛有着永远用不完的精力,开放又健谈,跟他一起工作非常有趣。有时安东尼奥在创作时还会和模特聊天,以一种与朋友交谈的方式来收集你的故事,再把这些故事化为能量直接转入到画布上。

墨守成规是安东尼奥一直反对的事,人生为什么要这么无趣呢?其实,他早期的作品也非常传统,细长的肢体、标准的透视,符合一切绘画的标准。但他在打下坚实的基础后,并在立体主义画家费尔南德·莱格(Fernand Léger)的影响下,很快就发展了具有体积感和动态感的个人风格。

安东尼奥曾在People杂志的访谈中提到他早年的经历:“当我进入时装插画界时,那是一门残酷的艺术,非常无聊、目录化,十分令人讨厌。但我为它注入了新鲜的血液”。

在上世纪六十年代,女性获得了自由,模特也变得更有活力,不再小心翼翼、僵硬地摆姿势。安东尼奥抓住了这个转变,为观众带来了骑着摩托车的金发女郎。他持续将街头文化带入到高级时装中,在1984年为GQ创作的插画中,他将地板舞(break dancing)的舞蹈姿势加入到模特身上,让观众眼前一亮。

工作对于他来说好像是烹饪一般,他不仅用多样的色彩和新鲜的风格把时尚界炒的火热,还在其中不停地加入异国原料。

他的身边总是有一大群各种各样的朋友,安迪·沃霍尔(Andy Warhol)、演员科里·蒂普(Corey Tippin)、唐娜·乔丹(Donna Jordan)、简·福斯(Jane Forth)和模特帕特·克利夫兰(Pat Cleveland)等都是纽约夜生活中的佼佼者。其中一些人成为了“安东尼奥女孩(Antonios Girls)”,安东尼奥发掘了她们,并通过画布将女孩们打造成巨星。他们就这样形成了一个多种族的联盟,格蕾丝·琼斯(Grace Jones)和周丽娜(Tina Chow)后来也加入其中。

但在摄影技术已经相当成熟的六七十年代,他仅凭借这些特质就可以在时尚界中稳占一席之地吗?

事实证明,安东尼奥能带给人们的远不止于此。时尚界永远需要一个幻想家,与其说安东尼奥在展现时尚,不如说他更在乎时尚所要表达的“精神”。有时候他只需要模特们摆好姿势,甚至不需要穿上特定的服装,他也能像施展魔法一般,按照自己的想法画出一幅完美的作品。

有人可能认为这样无法展现服装真实的效果和样式,但这难道不恰恰是绘画不同于摄影的魅力所在吗?插画为消费者提供了想象的空间,也不失为一种与艺术家亲密交流的方式。

2012年,出版社Rizzoli发行了《Antonio Lopez:Art,Sex and Disco》一书。五年后,又推出了由詹姆斯·克兰普(James Crump)执导的同名纪录片,记录了安东尼奥的作品、生活、朋友以及对后人产生的巨大影响。可见,时尚界永远铭记那些将幻想变成现实的人们。

在回顾完两位史诗级别的大师后,我们把目光重新投向今天。与之前两位“严肃”的艺术家相比,Jean Philippe-Delhomme的画作让人不禁嘴角上扬。他的画里带着一丝孩童般快乐的气息:稚拙的线条和人物造型,明亮的色调,画面玩味、丰富。

Jean Philippe-Delhomme意在传达一种气氛,他的作品不会给人带来任何负担,更像是一场与朋友之间轻松的交谈。用短句搭配插画是他的特色,很多时候用诙谐幽默的方式表达了毫无恶意的小讽刺,让人回味无穷。

虽然画风简单,但画面上所有的细节都值得推敲。人物的衣着、配饰,甚至扣子扣到第几颗,裤子的高低程度都成为透露着人物性格的线索。

显然,Jean Philippe-Delhomme的画风完美地契合了时代的需求,受到了观众的追捧。Kitsuné、巴尼斯纽约精品店(Barneys New York)和新世界百货(Shinsegae)等品牌和商场都邀请他来制作广告插画,CHANEL也不意外地陷入了他的魅力之中。

亚伯兰斯出版社(Abrams Books)发行了一本关于CHANEL新系列幕后故事的新书。比起摄影生硬客观的记录方式,制作团队选择了以插画的形式来展现,在揭秘奢侈品幕后工坊的同时又保留了一丝神秘感。这样的形式既增加了阅读的趣味性、品牌的艺术气质,也使这本书更加具有收藏价值。

这三位插画师来自不同的时代,也扮演着不同的角色,从不同的角度展现了时尚风貌,记录了时代的发展。

插画和摄影各有千秋,后者带给我们的影响无疑是巨大的,彩色照片的出现对于时尚界来说是一个巨大的转折点。那么,插画是否能迎来另一个转折,登上下一个巅峰?你们更希望时尚以哪一种方式呈现呢?

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